Toys.

Unida a la teórica sobre las máquinas.

Leslie Zevo (Robin Williams) se enfrenta a parte de su familia por la manera en la que enfocan el negocio de juguetes de la marca Zevo. Tras la muerte del director, su hermano, el General Zevo (Michael Gambon), toma el mando de la empresa. Junto a su hijo, confeccionan juguetes con armas, auténticas bombas de relojería en manos de sus destinatarios, los niños. A partir de este hecho, Leslie une esfuerzos con su novia Gwen (Robin Wright Penn), su hermana Alsatia (Joan Cusack) e incluso algunos juguetes, para intentar neutralizar las intenciones beligerantes del resto de la familia Zevo.

The Pillow Book.

Película enlazada con la teórica sobre el cuerpo.

El título de esta película hace referencia a la costumbre japonesa de guardar en las almohadas, que eran de cerámica o de madera huecas, los diarios íntimos.


La protagonista es Nagiko, una niña cuya familia valora la literatura y la pintura. Cada cumpleaños su padre, que es calígrafo, le dibuja en la cara una bendición tradicional. Pero la familia es pobre y el padre va pagando su deuda a un editor con favores homosexuales. Su hija está casada con el hijo adoptivo de aquél y el matrimonio es un fracaso. La muchacha se escapa a Tokio y se convierte en una modelo de éxito. Los recuerdos familiares son muy fuertes y debe encontrar su equivalente adulto insistiendo para que sus amantes le den placer escribiendo sobre su cuerpo. Persuadida por Hoki, un fotógrafo joven que está desesperadamente enamorado de ella, intenta publicar un texto, pero es rechazado por el mismo editor que humilló a su padre. Al saber que el editor tiene como compañero a Jerome, Nagiko decide seducirlo. Sin embargo, las cosas no suceden como ella lo había planeado, porque se enamora del Ingles.

Jerome sugiere a Nagiko que escriba el libro de nuevo pero sobre su cuerpo y que él lo presentará al editor para su publicación.

El editor no permite que el inglés le abandone y Nagiko es testigo de los encuentros sexuales de ambos. Furiosa, seduce a otro amante ocasional que le provee de piel para escribir. 

En honor a su aflicción y amor, Nagiko pasa un día y una noche escribiendo un apasionado poema erótico en el cuerpo sobre el amante. Tras el entierro de Jerome, Nagiko quema su lujoso apartamento de Tokio, abandona la ciudad y vuelve a la casa de sus padres muertos.

Hoki cuenta al editor que la muchacha ha escrito un texto sobre el cuerpo de Jerome. El editor lo exhuma en secreto, lo despelleja y manda encuadernar el poema. Nagiko, que ha quedado embarazada de Jerome, se entera de lo sucedido y toma la determinación de llevar a cabo su antiguo plan.  Es el Libro de la muerte. El editor toma conciencia de su fin, entrega el libro-almohada y permite que el joven sea su ejecutor.

La piel caligrafiada es devuelta finalmente a Nagiko, quien se hace tatuar el texto en su propio cuerpo, y lo entierra en la maceta de un bonsái.

• Aparece el cuerpo, como soporte para la escritura.
• Se mezcla el placer carnal, con el placer de la literatura.
• La protagonista cuenta su proceso de aprendizaje. Proceso que se simboliza en el paso de ser soporte de escritura a convertirse ella misma en pincel y en este proceso adquiere ciertos conocimientos, el conocimiento del amor, de la muerte y de la venganza.

Practica sobre el Bodegón:

El bodegón.

• En casi todos los idiomas se llama naturaleza muerta o vanitas.
• A veces habla del dinero de cada casa, o habla de la muerte representada por animales muertos.
• También se llama, memeto mori.
• Tiene una ventaja que puedes trabajar mucho tiempo en ellos.
• El ágape relaccionado con la muerte.
• Bodegones, primeras representaciones de arte en civilizaciones como las sumerias, acadias, romanas.
• Hasta el S.XVI está muy relaccionado con los símbolos. Las piedras preciosas simbolizan los pueblos de cristo, un huevo simboliza la maternidad, la vida, etc.
• Cuando nosotros empezamos a dibujar nos ponen estatuas o bodegones, por lo tanto nuestro concepto es diferente.
• En pintura no se pueden representar ciertos bodegones porque no son interesantes en la actualidad.
• Lo que antes era equilibrio y armonía, ahora no puede ser porque lo que antes hacía la pintura ahora lo hace la foto.
• Nos permite trabajar sin estar ajustados a ningún tiempo.
• Mayor libertad compositiva que en la figura humana.

Bodegón: método de aprendizaje para pintores y dibujantes. Debería tener elementos actuales. No debería estar siempre a la altura de los ojos, podría situarse en el suelo, en el techo...

• El bodegón habla de la vida y la muerte. Ciertos bodegones quedan obsoletos si utilizamos objetos que no pertenecen a nuestra época.
• El bodegón en la fotografía habla de elementos que el fotógrafo tenía en su entorno. Son las pequeñas cosas íntimas.

Después de esta clase teórica, tuvimos que seguir una serie de pasos para investigar acerca del bodegón y así sacar nuestras propias conclusiones.

Este ejercicio lo hicimos por parejas, yo trabajé con Raquel Sanchez Galvez, las pautas fueron las siguientes:

1ª parte.
Analizar los bodegones de alumnos del año pasado.
2ª parte.
Leer unos textos: "La vida se va como el humo" de Rosa Olivares.
"El tiempo de un bodegón" de Alberto Ruiz Samariego.
"El auténtico instante inmortal" de Celia Díez.


Debemos ver representantes del bodegón actual.
3ª parte.
Tomando las conclusiones obtenidas de estas dos partes debemos describir al bodegón en la actualidad.

CONCLUSIONES:
Bodegón como vánitas: el paso del tiempo, lo que se va a perder.
Este significado no se pierde sino que se transforma y lo ahora lo vemos en la podredumbre, en el detritus y en la comida basura.
la muerte, la pérdida: ahora tiene más un contenido crítico.
El alimento del cuerpo pasa a ser el alimento del espíritu.
El bodegón parece tener un significado trivial, no debemos infravalorarlo.
Con la fotografía es más anacrónico. Se complementan a la perfección por la instantaneidad de la primera.
El festín de las miradas (ILUSIÓN) pasa a la domesticidad cutre, al realismo sucio y al desorden . Ejemplo Cindy Sherman.
Recomposición literal del concepto:
- Crítica.
Mundo interior.
Debilidades y desórdenes.

Teorica sobre el tratamiento del cuerpo.

• Definición de cuerpo:

Del latín “corpus”, lo que tiene extensión limitada y produce extensiones de cualidades y alberga los sentidos.
En la grandeza del arte occidental, el cuerpo esta representado como un estereotipo, sin presentar a nadie en concreto.
Hay dos vertientes de representación, el individuo como ser único (psicológico) y el comportamiento de las sociedades (sociológico).
Los orígenes de la representación del cuerpo vienen desde la prehistoria. (Venus de Willmerdorf).

La cultura griega, hereda todo eso. El hombre se siente fuerte, sabio, y hacen esculturas donde el hombre es la medida de todas las cosas, lo representa todo, (ejemplo: La auriga de Delfos, representa el amanecer.)

En la edad media, todo representa a Dios. Pan, río, pez, paloma… todo es representación de Dios. No importa el papel del artista sino la imagen.

En el renacimiento italiano, hay tres grandes artistas: Cennini, Alberti, Leonardo.

En todos los tratados resaltan la imitación de la naturaleza.

Representación exacta de ella naturaleza y materialización de la naturaleza.

Barroco: En toda la época anterior hay una forma de retomar la antigüedad clásica y quieren volver a convertir al hombre en un referente en la naturaleza, pero el hombre no esta tan seguro de si mismo como antes.

Turner 1775-1851 pinta sentimientos humanos trasladados a la naturaleza. No solo el hombre ya no es la medida de todas las cosas, sino que es la propia naturaleza la que representa al hombre.

Época actual: Nosotros tenemos un cuerpo de silicio y un cuerpo de carbono, q se envejece y estropea.

De una forma mas rápida, real y barata. Los artistas deben dar una vuelta, deben dar algo más.

Un grupo de artistas importantes se paso a la fotografía.

Pero otros decidieron experimentar. Trasforman lo que están haciendo, y piensan que deben traer algo mas de la pintura y de la escultura, todo eso abre nuevas puertas mas radical al cuerpo y la sociología y psicología.

Impresionismo: Picasso contra Duchamp.

Picasso: la inspiración viene trabajando, es un trabajador infatigable, comercia con el arte, personalidad arrebatadora, enérgico, copia todo lo que puede.
Duchamp: lo importante es el concepto y luego representarlo, hay que dejar el sedimento del tiempo, la idea prima, el artista es un gurú, inventa el ready-made y la instalación.

El cuerpo se vacía:

                                                                           Magritte.

El cuerpo se deshace, se hace monstruo y se llega a la representación minimalista, cuerpo como plato de sangre, inmaterial.

Formas de tratar el cuerpo en el arte actual.

El cuerpo distante: Cuerpos que se encuentran pero que no dicen nada, no se tocan.

El cuerpo y la genética: Clonación, especulaciones sobre ese tema. Hay una parte de artistas que trabajan con células, otros inventan historias basados en la genética.

Incorporación del cuerpo femenino: Las mujeres estuvieron muy eclipsadas en el mundo del arte. Siempre estaba detrás, y el varón habla de grandes historias mientras q las mujeres hablan de pequeñas historias personales.

Marian Abramovic, Mariko Mori, Billy&Hells.

Otra tendencia es el cuerpo prostituido, Santiago Sierra, que le han dado el premio pullicher.

Paga a las personas para que hagan cosas desde masturbarse frente a la cámara, o teñirse o tatuarse por dinero.

                                                                          Billy&Hells.

                                                                         Santiago Sierra.

El cuerpo transgresor: El cuerpo ha estado siempre en esta trasgresión, el cuerpo rompe con todo, vírgenes desacralizadas… hacia la muerte y deformidad… Un ejemplo de este tipo de transgresores es Witkin. Adriana Vajerao, ve el cuerpo como una carnicería, una mercancía.

                                                                       Peter Witking.

El cuerpo enfermo: La enfermedad que surge y que provoca.

Anorexia y bulimia: Para una época de abundancia donde se venera la escasez, este tema es imprescindible.

El cuerpo monstruoso: Duplicando órganos, mezclando cuerpos de diferentes sexos, suprimiendo partes, añadiendo otras, quitando vestigios vitales, recubriendo con pieles que no son tuyas, añadiendo mecánica(cibort).

El cuerpo frío o muerto: También es otra forma de trabajar. Marat. Paul Thek,Vich y Myung Keun. Diferencia entre cadáver y muerto. Primero va el muerto y después el cadáver. Javier de Villota. Cadáver exquisito también es importante.

El cuerpo reconstruido: El cuerpo se deshace y se reconstruye mostrando todas sus partes.

El cuerpo cibernético: En la actualidad, necesitamos un nuevo cuerpo, el nuestro no tiene todo lo que necesitamos. Queremos un cuerpo limpio y perfecto, que no nos de problemas.

Necesitamos un cuerpo hiperconectado que se parezca a una maquina y la maquina al cuerpo.

Ejemplos de artistas que trabajan con este concepto son: Aziz y Cucher, Stelac, los cuerpo operados y Gabriel Cocimado.

La cotidianidad: Democratización del cuerpo, lo insignificante, la interpretación de genero, el mundo como centro, problemas sociales tratados a través del cuerpo.

El retrato: Es tratar de retener a la persona. Hay dos tipos el psicológico y el representativo. Para usar el cuerpo y utilizar el cuerpo, tener algo que contar, saber que quieres contar, buscar le mejor modo de expresarlo, no importa copiar, saber hacerlo con los medios adecuados.

Dialogo con la fotografía.

Para el mundo de la fotografía del s.xx fue una época de experimentación y evolución, para explorar la experiencia fotográfica, los dos jóvenes autores de este libro en su momento Paul Hill y Thomas Joshua Cooper, entrevistaron a varios fotógrafos del momento,  en un primer momento estas entrevistas fueron publicadas en la revista “CAMERA”.


Este diálogo examina las decisiones o cambios que fueron necesarios para guiar los caminos de estos artistas.  Reunidas en forma de libro las entrevistas dan forma a la historia oral de la fotografía.


Así este libro recoge el testimonio de Sr Cecil Beaton, Jacques-Henri Lartigue, Brassaï, Man Ray, André Kertész, George Rodger,  Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Herbert Bayer, Henry Holmes Smith, Helmunt Gernsheim, Brett Weston, Manuel Alvarez Bravo, Eliot Porter, W. Eugene Smith, Laura Gilpin, Imogen Cunningham, Wynn Bullock, Minor White, Baumont Newhall y Paul Strand.


Cómo se encontraron con la fotografía, como evolucionaron, qué aprendieron haciendo fotografías, sus años cómo fotógrafos para diferentes revistas y periódicos en momentos importantes de la historia contemporánea, la sensibilidad que provocaba sus imágenes o no, las influenzas artísticas que tenían, estas son algunos de los temas que se tratan en estas entrevistas.


Como aparece en la contraportada, se trata de un libro sobre la historia oral de la fotografía, donde se nombran diferentes géneros, comentado por grandes fotógrafos que a día de hoy forman la cultura visual y estética con la que éste siglo hemos crecido.
 

Creación Injuve 2010.

Esta exposición reúne todas las obras premiadas y seleccionadas en la convocatoria anual de los “Premios Injuve para la creación joven”. Concurso promovido por el Instituto de la Juventud (injuve), organismo público adscrito al Ministerio de Igualdad que tiene como labor promover el talento de los jóvenes para que se puedan hacer hueco en la sociedad participando de ella y para ella. Los artistas seleccionados en esta convocatoria han sido premiados con, además de la recompensa económica, con la oportunidad de exponer en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en varias exposiciones nacionales e internacionales, tener catálogo colectivo, diversas publicaciones y la realización de sus representaciones y conciertos.